这些歌每一首都曾让无数音响发烧友听得热泪盈眶！

 

我们询问了成千上万的音响发烧友，让他们选出心目中最完美的专辑。下面就是他们一致认可的完整榜单。

 

你可以整天拿设备去检测，但有时候，播放一张能触动人心的唱片，才是测试音响系统的最佳方式。这些专辑之所以被反复聆听，不仅因为音乐本身，还因为它们的录音、混音和母带处理都堪称完美。

 

我们从那些懂行的音响发烧友那里收集了推荐，最后选出了这50张绝对值得细听的专辑。

 

榜单内容

 

1.      平克·弗洛伊德（Pink Floyd）——《月之暗面》（Dark Side of the Moon） 

 

1973年发行的《月之暗面》因为录音室里的各种创新成了传奇。音响发烧友们特别喜欢专辑里的各种声音，比如《Speak to Me》里的那种心跳声，或者《Money》里复杂的音效层次，这些声音完美地融入了整体的音乐画面里。

 

工程师艾伦·帕森斯（Alan Parsons）功不可没，他精心制作的这张专辑，到现在还能让听众们惊叹不已。

 

2.      林肯公园（Linkin Park）——《混合理论》（Hybrid Theory） 

 

2000年发行的《混合理论》音质清晰、锐利，特别突出。虽然音乐风格很喧嚣、很有冲击力，但制作人唐·吉尔摩（Don Gilmore）确保每一个吉他旋律、每一个节奏、每一句人声都能清晰地呈现出来。从《In the End》里朗朗上口的旋律，到《Crawling》里那种强烈的驱动力，都能听得清清楚楚。 

 

粉丝们特别喜欢专辑里那种把混乱处理得干净利落的感觉，我自己也是。

 

3.      迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）——《蓝色乐章》（Kind of Blue） 

 

《蓝色乐章》经常被大家提到，说是史上最伟大的爵士专辑。 

 

1959年发行，这张专辑可以用“安静但有力”来形容。乐器的声音特别开阔，感觉充满了空气，就像乐器们在房间里和你一起漂浮一样。整张专辑没有刻意的地方，也没有显得杂乱。每个音符之间都有合适的间隔，让音乐能自由地呼吸。 

 

对很多听众来说，这是他们第一次真正明白，一个好的音响系统能在简单的录音里揭示出多少细节。

 

4.      Depeche Mode——《Violator》 

 

《Violator》是电子乐里的佼佼者，无论从情感吸引力还是录音室质量来说。1990年发行，专辑里充满了深沉的低频、清脆的合成器音效和流畅的过渡。 

 

混音一层一层地展开，特别吸引人，哪怕是安静的部分都充满了张力。 

这张专辑每次你升级设备之后再听，都会觉得更好。

 

5.      Daft Punk——《随机存取记忆》（Random Access Memories） 

 

2013年的《随机存取记忆》大量使用了现场乐器和模拟质感。和电子循环乐不同，专辑里有真实的鼓点、温暖的弦乐和深沉的节奏。 

 

像“Giorgio by Moroder”这样的歌曲，每一个部分都做得特别精细。专辑整体有一种悠闲的活力，制作质量经得起仔细聆听。 

 

这是一张追求清晰度但不牺牲灵魂的专辑。

 

6.      Roxy Music——《Avalon》 

 

《Avalon》给人一种如丝如烟的感觉。1982年发行，专辑流畅但绝不无聊。合成器的声音滑动着，人声像幽灵一样飘渺，每一个元素都特别优雅地放在了它该在的位置。 

 

在一个调校良好的音响系统上，像“More Than This”这样的曲目会像香水一样，在空气中弥漫开来。 

 

这张专辑并不喧闹，而是奢华的。这就是它脱颖而出的原因。

 

7.      AC/DC——《Let There Be Rock》 

 

《Let There Be Rock》最好的描述是什么？原始、喧嚣、毫不掩饰。 

 

1977年的这张经典专辑就像一记重拳，鼓点猛烈，吉他毫不留情。音响发烧友们选择这张专辑不是因为它的音色干净，而是因为它通过好的音响播放时，那种真实感特别强烈。 

 

这是一次对音响系统的压力测试……同时也是对你邻居耐心的考验。

 

8.      Def Leppard——《歇斯底里》（Hysteria） 

 

《歇斯底里》的每一秒都在制造冲击力。它明亮、层次丰富，宏大得就像一座流行金属大教堂。 

 

制作人穆特·兰（Mutt Lange）以近乎偏执的精确度，把人声、吉他和各种音效一层一层地堆叠起来。结果就是一堵声墙，但听起来却特别清晰。 

 

像“Pour Some Sugar on Me”和“Hysteria”这样的曲目，把整个立体声范围都覆盖了。大声播放的时候，你就能听到制作这张专辑的时候，大家付出了多少努力，才能让它听起来毫不费力。 

 

音响发烧友们特别欣赏这张专辑雄心勃勃但又清晰透亮的混音效果。

 

9.      枪与玫瑰（Guns N’ Roses）——《毁灭的渴望》（Appetite for Destruction） 

 

这张1987年的首张专辑，到现在听起来还是像一列货运火车一样震撼。专辑的锋利边缘从来没钝过。 

 

《Welcome to the Jungle》的开头还是那种充满威胁的咆哮，而《Sweet Child o’ Mine》在保持侵略性的同时，还藏着让人惊讶的细节。 

 

《毁灭的渴望》不仅态度十足，混音还特别紧密。如果你的设备够好，你就能听到每一个军鼓的敲击、每一句人声的嘶哑和每一个吉他的弯曲。 

 

它那种原始、狂野的能量，和令人惊讶的清晰制作相结合。每一个咆哮、每一个旋律和每一个鼓点都有一种粗糙的清晰度，在好的系统上听起来特别惊人。

 

10.   Rammstein——《Mutter》 

 

这张专辑很沉重、很戏剧化，制作也特别精良。它不会慢慢地带你进入状态，《Mutter》一开场就用雷鸣般的吉他、清脆的鼓点和标志性的咆哮声震撼全场。 

 

但在那种喧嚣和力量之下，你还能听到合唱团、弦乐和精心打造的氛围。像“Sonne”这样的歌曲，层次特别丰富，混音干净得就像外科手术一样精准。 

 

这张专辑很沉重，但你能分辨出每一个元素。这种平衡就是它吸引认真听众的原因。

 

11.   齐柏林飞艇（Led Zeppelin）——《Physical Graffiti》 

 

听《Physical Graffiti》的时候，你不是在听，而是在里面漫步。

 

一分钟你被《The Rover》的力量冲击，下一分钟你又漂浮在《Ten Years Gone》的迷雾里。 

这张专辑有点粗糙，但这种粗糙特别好，就像有人把乐队在排练室里震撼墙壁的声音都录下来了一样。 

 

把音量调大，你会听到那种模拟质感不是浮在表面，而是深入骨髓的。齐柏林飞艇从来都不追求事情弄得轻松或者整洁，这就是它显得特别真实的原因。

 

12.   Beastie Boys——《Paul’s Boutique》 

 

这张专辑一点都不整洁，这才是它的乐趣所在。1989年的《Paul’s Boutique》是一张充满了采样、玩笑和节奏的密集拼贴，声音在左右声道之间跳来跳去。 

 

在普通的音响系统上，它听起来就像一团模糊。但在合适的设备上，你就能听到那些隐藏在角落里的奇怪细节。 

 

比如“Shake Your Rump”这一首歌，就像一个有太多碎片的拼图，但这就是音响发烧友们喜欢深入挖掘的原因。

 

13.   黑色安息日（Black Sabbath）——《Black Sabbath》 

 

1970年，重金属音乐诞生了，这张专辑就是最好的开端。 

 

《Black Sabbath》听起来一点都不干净，但这正是它的魅力。标题曲以教堂钟声和雷声开场，然后进入那种缓慢、失真的吉他旋律，这些都定义了重金属。

 

专辑听起来有点模糊、有点不均匀，但在温暖的模拟系统上特别有吸引力。

 

“N.I.B.”和“The Wizard”里的混音更像是在一个闹鬼的地窖里，而不是录音棚里做出来的。那种粗糙和回声，音响发烧友们追求的就是这种氛围，而不是那种抛光过的感觉。

 

14.   Megadeth——《Rust in Peace》 

 

1990年发行的《Rust in Peace》演奏得特别精准，制作也特别精良。 

 

这是最精致的鞭挞金属专辑。 

 

“Holy Wars… The Punishment Due”锋利得像一把刀，而“Tornado of Solo”把吉他独奏和节奏部分一层一层地叠加起来，到现在还能让工程师们惊叹不已。吉他特别清晰锐利，鼓点干脆利落，哪怕是以每小时一百英里的速度演奏，也没有任何地方显得格格不入。 

 

这是一张特别难演奏的唱片，混音更是难上加难。但它确实经得起考验。

 

15.   沙滩男孩（The Beach Boys）——《Pet Sounds》 

 

《Pet Sounds》是一张1966年的永恒流行交响乐。这张唱片有一种特别柔和的光芒，让一切听起来都特别有希望。 

 

专辑里充满了各种奇怪的乐器，比如自行车铃铛、特雷门琴，甚至还有狗吠声。但不知怎么的，这些元素都融合得特别好。 

 

“Wouldn’t It Be Nice”用那种堆叠的和声冲击你，而“God Only Knows”则特别轻盈，给人一种特别好的感觉。

 

16.   Frampton——《Comes Alive!》 

 

有些现场专辑听起来就像在背景里放着掌声的热门歌曲集，但《Comes Alive!》可不是这样。 

你可以听到琴弦上的汗水、放大器的噼啪声，还有观众从每一个音符里汲取能量。比如《Do You Feel Like We Do》里的讲话盒独奏，那种奇怪的清晰度，会让第一次在黑胶唱片上听到它的人特别惊讶。 

 

这张专辑乱中有序，特别温暖，充满了活力，这也是它成为测试音响系统动态范围的首选的原因。

 

17.   Talk Talk——《Spirit of Eden》 

 

1988年发行的《Spirit of Eden》把摇滚、爵士和环境音乐完美地结合在一起，动态和静谧的对比特别惊人。 

 

这张专辑在提高音量之前会先低声细语。它以长时间的静默、细腻的起伏和那种特别脆弱的瞬间为特色。

 

比如《The Rainbow》，展开得特别缓慢，感觉时间都被拉伸了，当鼓点最终响起的时候，就像打破了平静水面的表面。 

 

如果你的设备能够捕捉到这些变化而不把它们压平，那你就能得到一种特别的听觉体验。

 

18.   平克·弗洛伊德（Pink Floyd）——《Wish You Were Here》 

 

继《月之暗面》之后，平克·弗洛伊德在1975年又推出了一部杰作《Wish You Were Here》。

 

在《Shine On You Crazy Diamond》里，有一个特别的时刻，一切听起来都在漂浮——吉他泛音、合成器的起伏，甚至是中间的静默。 

 

这张专辑最擅长的就是创造空间。情感特别沉重，但声音却特别轻盈，充满了细节。它慢慢展开，让你等得心急，然后用那种仿佛一直存在于音箱里的质感来回报你。

 

19.   Jamiroquai——《Emergency on Planet Earth》 

 

这里有节奏，有放克，然后还有这张专辑。《Emergency on Planet Earth》奠定了特别厚重的低音线条和特别清脆的打击乐。但真正吸引音响发烧友反复聆听的，是所有元素如何完美地融入混音里。 

 

在好的音响系统上播放“Too Young to Die”，铜管乐器会闪闪发光。专辑很有趣，但同时也很紧凑、很温暖，当你一层一层地剖析它的时候，你会发现它特别精致。 

 

而且，那种温暖的模拟感、紧凑的低音和干净的铜管乐部分，让它成为那些喜欢生动、制作精良的音乐景观的人的最爱。

 

20.   彼得·加布里埃尔（Peter Gabriel）——《So》 

 

1986年发行的《So》是流行摇滚里的一个里程碑。

 

你最先注意到的是什么？鼓声。特别大、有门限效果、特别有力，但又特别干净。 

 

加布里埃尔一点都不害怕把那种庞大的节奏和柔和的合成器质感、多层次的人声结合起来。这就是为什么“Red Rain”给人一种同时崩塌又重建的感觉，而“Mercy Street”则沉浸在那种低音细节和混响营造的安静迷雾里。 

 

专辑里有特别多的东西，但没有任何地方显得杂乱。它特别大胆，但又一点都不夸张，这其实比想象中难多了。所以，这么多年过去，它在高端音响系统上听起来还是特别惊人。

 

21.   Queensrÿche——《Operation: Mindcrime》 

 

1988年发行的《Operation: Mindcrime》是一部融合了金属、前卫摇滚和电影式叙事的概念专辑。 

 

简单来说，这就是金属音乐变得特别有野心的时候会发生的事情。 

 

这张专辑用一小时的清晰吉他旋律、紧密的人声叠加和那种像场景转换一样让人眼前一亮的过渡，来讲一个故事。而且，最好的地方是，你根本不需要理解那个概念故事，就能欣赏“Eyes of a Stranger”如何把立体声范围完全打开，或者吉他如何以外科手术一样的精确度锁定到位。 

 

专辑特别干净、特别戏剧化，对于这么重的金属专辑来说，它出人意料地精致。

 

22.   AIR——《Moon Safari》 

 

《Moon Safari》（1998）是一张特别梦幻、特别奢华的放松经典专辑。很少有专辑听起来像是在试图让音箱放松一下，但这张专辑就像柔和的光线一样流淌——特别缓慢、特别温暖，而且包裹在混响里。 

 

合成器的声音不是那种有力的冲击，而是滑动的。低音特别深沉、特别稳定，让像“La Femme d’Argent”这样的曲目在房间里漂浮，而不是强行穿透。 

 

专辑里没有什么是匆忙的，这就是它的魅力。如果你的音响系统有点偏向临床感，这张专辑可以把它柔和化。

 

23.   国王血红（King Crimson）——《In the Court of the Crimson King》 

 

这张1969年的专辑基本上帮助发明了前卫摇滚。 

 

《In the Court of the Crimson King》有一种特别的混乱，但这种混乱只是因为它被录制得特别精细，才显得特别迷人。比如，一分钟是轻柔的长笛，下一分钟就是那种猛烈的 Mellotron 波浪。

 

“21st Century Schizoid Man” 这首歌，就能把一个普通的音响系统直接“撕裂”，但如果是在一个好系统上，它听起来特别让人兴奋。你会听到细节，但更重要的是，你还能感受到那种质感、重量和音乐的呼吸空间。

 

这是一张老式的音响发烧友经典，至少在我们看来是这样。

 

24.   尼尔斯·洛夫格伦（Nils Lofgren）——《Acoustic Live》 

 

“Keith Don’t Go” 是那种能让音响发烧友起鸡皮疙瘩的曲目。它一点都不花哨，就是洛夫格伦、一把吉他，还有一个能捕捉到每一次呼吸和琴弦吱吱声的麦克风。

 

这就是《Acoustic Live》的魔力所在。它并不试图听起来完美，但它听起来特别真实，特别直接。你可以听到他声音周围的空气流动。

 

如果你的音响系统能把这个录音完美呈现，那它几乎可以完美呈现任何东西。

 

25.   电台司令（Radiohead）——《In Rainbows》 

 

《In Rainbows》里的每一个声音都特别精心地放置，但又一点都不显得过度思考。

 

“Weird Fishes/Arpeggi” 把吉他叠加得特别轻柔，它们听起来就像在自己漂浮一样。而“Reckoner”则有一种轻松的摇摆感，掩盖了背后其实有很多东西在发生。

 

制作上，它特别自然，有一种柔和的混响、温暖的低频，以及各部分之间恰到好处的空间。

 

这张专辑的重点不是声压，而是你的音响系统如何处理质感、微妙的动态变化以及音符之间的空间。

 

26.   Heldon——《Stand By》 

 

《Stand By》可不是那种常见的音响发烧友会选择的专辑。它特别密集、特别怪异，还有一种让人出奇地着迷的催眠感。

 

光是标题曲就把模糊的吉他和脉动的合成器结合在一起，听起来就像它们要冲出音箱一样。这种粗糙感是故意的，但如果你用好的设备来听，这种“受控的混乱”会变得特别清晰、特别迷人。

 

这张专辑是为那些喜欢声音原始、有点科幻，而且和别人播放列表完全不一样的听众准备的。

 

27. 弗利伍麦克（Fleetwood Mac）——《Rumours》 

有些专辑就是为长期聆听而制作的，《Rumours》就是其中之一。

 

录音有一种特别“开阔”的感觉，从《The Chain》里的人声融合，到《Dreams》里吉他那种特别清晰的闪烁，听起来都特别有目的性。

 

这张专辑最厉害的地方就是它的平衡感。没有任何元素会互相干扰，每个声音都能自由呼吸。

 

所以，如果你想看看一个混音是怎么让每一个声音、每一件乐器都准确地落在它该在的位置，那这张专辑就是“黄金标准”。

 

27.   Mr. Bungle——《California》

 

这张专辑的风格转换特别快，可能会让你的耳朵都“晕”了。冲浪摇滚、马戏团爵士、金属、多普音乐……所有这些风格都在《California》里汇聚，而且融合得特别好。

 

最让人惊讶的是它的音质有多好。一分钟你还在听那种精致的人声和声（比如“Retrovertigo”），下一分钟就置身于那种混乱的打击乐和尖叫的铜管乐里。混音特别跟得上节奏。

 

不管风格多奇怪，每一个声音都特别清晰、特别有力。这绝对不是那种可以当背景音乐的专辑，这其实是一种赞美。

 

28.   吉姆·怀特（Jim White）——《Wrong Eyed Jesus》 

 

这张专辑里有很多安静的时刻，但一点都不显得空洞。

 

《Wrong Eyed Jesus》听起来就像在南方深处的某个废弃教堂里录制的。编曲特别稀疏，让每一个声音都能自由呼吸，无论是滑动吉他、低语的歌词，还是房间里的噪音。

 

“那道永不愈合的伤口”和“天使之书”都是那种慢慢燃烧的歌曲，但这正是它的魅力所在。你会不由自主地专注聆听。如果你的音箱特别擅长捕捉细微之处，这张专辑会特别回报你的耐心。

 

29.   布鲁克纳（Anton Bruckner）——《第九交响曲》（卡拉扬版） 

 

对于布鲁克纳来说，这是一种“长期的弧线”——那种从几乎无声到声音墙的音乐。

 

卡拉扬1979年和柏林爱乐乐团的传奇录音，特别完美地捕捉了这种音乐旅程。

 

尤其是柔板乐章，是那种特别能让人感受到缓慢积累的张力和释放的乐章。一秒钟你还在努力聆听那种安静的木管乐器，下一秒，铜管乐器就像巨浪一样冲击你。

 

要处理好这种音乐，音响系统需要既有克制又有力量。所以，如果你想测试音响系统的动态范围，这张专辑绝对能做到。

 

30.   Tool——《Lateralus》 

 

2001年发行的《Lateralus》是前卫金属的一个伟大成就。

 

这张专辑的节奏特别厉害。它玩弄着那些奇特的拍子、变化的节奏，还有那种像生物一样移动的宏大作品。

 

“Schism”和“Parabola”这种歌需要你特别专注地听。如果只是让它们在背景里播放，那简直就是一种浪费。但当你专注聆听的时候，每一层声音都会开始展现出来。

 

吉他特别厚重但又特别清晰，鼓点特别精准，没有任何东西被埋没。这是一张特别密集的专辑，但一点都不浑浊。这也是为什么好的设备能帮你剖析它，而不会让它失去重量。

 

31.   蠢朋克（Daft Punk）——《Discovery》 

 

如果《Random Access Memories》是蠢朋克的“模拟情书”，那么《Discovery》就是他们的“数字狂欢”。

 

“One More Time”和“Digital Love”这种歌，用那种光亮的合成器和干脆、压缩的鼓点迅速冲击听众。但在那些闪耀的音效之下，其实还有特别多的细节。

 

立体声分离特别清晰，低频特别紧凑，混音特别有趣，足以测试音响系统的能量，而不会把它压倒。这也是为什么音响发烧友经常用它来测试设备怎么同时处理那种闪耀和冲击力。

 

32.   埃里克·克莱普顿（Eric Clapton）——《MTV Unplugged》 

 

这场演出有一种特别柔和的感觉，哪怕你已经听过这些歌一百次，它还是能吸引你。

 

编曲特别简单，让克莱普顿的演奏特别有呼吸感。音符特别清晰地回响，原声吉他的音色特别饱满，但一点都不显得臃肿。

 

“Tears in Heaven”和重新演绎的“Layla”是亮点，不仅因为情感，还因为你能特别清晰地听到那些细微之处：指尖的移动、微小的动态变化、房间的共鸣。

 

总体来说，混音特别温和、特别贴近，所以它特别适合用来测试那种温暖感、存在感和自然衰减。

 

33.   披头士（The Beatles）——《Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band》（50周年纪念版） 

 

2017年对经典的《Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band》的混音，给这张被剖析得最多的专辑之一带来了新的生命力。

 

吉尔斯·马丁并没有过多地“现代化”它，而是特别巧妙地揭示了它本来的样子。他让乐器在立体声范围里更广泛地延伸，给人声更多的存在感，还让那些手鼓和环境质感的细节特别清晰地展现出来，但一点都不显得拥挤。

 

特别是在“A Day in the Life”里，那种构建感特别深邃、特别多维。

 

对于任何拥有高解析力系统的听众来说，这个版本提供了原版从未完全实现的东西：更多的探索空间。

 

34.   史蒂夫·赖希（Steve Reich）——《Music for 18 Musicians》 

 

《Music for 18 Musicians》特别缓慢地构建起来，而且从未真正停止移动。它特别有节奏感，一直在变化、重复，有点像一台活生生的机器。

 

如果你的音响系统足够精细，你就能捕捉到马林巴琴、单簧管和人声是怎么相互交织而从不冲突的。

 

它的魔力在于那些微妙的节奏变化和音色互动，特别是在早期的“Pulses”部分。在一个细节丰富的系统上，你不仅能听到正在播放的内容……你还能感受到它的“呼吸”。

 

35.   九寸钉（Nine Inch Nails）——《The Downward Spiral》 

 

1994年发行的《The Downward Spiral》把你带进了一个特别黑暗、特别有层次的世界。

 

失真特别浓，但它并没有模糊边缘。比如，“Closer”那种特别“脏”的机械节奏冲击你的时候，听起来还是特别清晰，而“Hurt”则显得特别赤裸、特别脆弱，但又充满了质感。

 

在表面之下，其实还有特别多的东西（比如氛围音效、磁带嘶嘶声、倒转的人声）。你需要一个不会把所有声音都压平成噪音的音响系统。但如果播放得当，它就像一场你无法摆脱的梦。

 

36.   邪典乐队The Cult——《Electric》 

 

Rick Rubin把《Electric》简化到了极致，这正是它特别引人注目的原因。吉他声音特别干涩、特别靠前，几乎没有录音室的修饰。

 

“Love Removal Machine”特别有态度地开场，那种宽广、嘎吱作响的吉他旋律一下子就抓住了耳朵。这里没有杂乱，它特别注重冲击力、速度和声音之间的空间。

 

并不是每一部摇滚专辑在更清晰的播放中都会变得更好，但这一张绝对会。

 

37.   杀手乐队（Slayer）——《Reign in Blood》

 

《Reign in Blood》时长不到30分钟，每一秒都特别珍贵。它特别有冲击力，但从不显得混乱。

 

“Angel of Death”里的吉他音色特别锋利，踩镲特别紧凑、特别受控，每一声尖叫都能特别清晰地穿透出来，毫无失真。

 

这种制作可能会让那些期待混乱的人特别惊讶。它特别清晰、特别干净，需要一个能够跟上节奏而不把它平滑化的音响系统。

 

所以，如果你的设备能够特别好地处理速度和分离度，那么这就是一种特别残酷但又特别美的音乐体验。

 

38.   布什乐队（Bush）——《Sixteen Stone》

 

《Sixteen Stone》有一种特别抛光的边缘，让它和其他90年代的另类摇滚专辑区分开来。

 

“Machinehead”特别宏大且紧凑地开场，而不是变成那种泥泞的音效。即使是像“Glycerine”这样的慢歌，也有一种特别空灵的感觉，混响和人声音色在好的设备上都能特别好地展现出来。

 

这张专辑并不花哨，但它特别扎实。

 

39.   Turnover——《Peripheral Vision》 

 

2015年发行的这张梦幻流行音乐专辑特别像一颗宝石，漂浮在那种朦胧的吉他和特别柔和、特别有情感的人声之上。

 

制作特别丰富、特别沉浸式，给听众带来了一种特别丰富、特别包围式的音乐体验，堪称“耳中糖果”。

 

《Peripheral Vision》里的每一个元素都特别柔和。“New Scream”有一种特别梦幻的质感，但如果音响系统不够好，那些细节可能会消失。

 

它并不是那种传统意义上的动态唱片，但它特别需要空间。一个好的音响系统能够揭示那些层次感，以及乐器是怎么融合在一起的，而不会把它们全部变成一团模糊。

 

40.   布达佩斯爱斯基摩人（Budapest Eskimos）——《The Lushlife Project》 

 

2005年的《The Lushlife Project》虽然特别不为人知，但它是一张特别适合放松、特别适合深夜聆听的专辑。

 

它把那种慢节奏的节拍、受爵士乐启发的键盘和环境质感特别完美地结合在一起，既保持流畅又不显得单调。“Tangled Fruit”特别适合用来测试低音控制——它特别丰富，但又不过分。

 

这张专辑不会特别压倒你的音响系统，但它会让你看到它怎么特别优雅地处理那些微妙的情绪和节奏。

 

41.   夺回星期天（Taking Back Sunday）——《Tell All Your Friends》  

 

2002年的这张专辑特别定义了2000年代初的“情绪核”音乐。它特别原始、特别有情感，比大多数人记忆中的还要锐利。

 

在“Cute Without the ‘E’”里，那种双人声的演绎在混音里给每个声音都留出了特别独特的空间。吉他特别有咬劲，鼓声特别有力，但又不显得过度处理，甚至连那种混乱都显得特别平衡。

 

《Tell All Your Friends》的声音里充满了紧张感，最好的音响系统会让你特别能感受到这种紧张，而不会把它变成噪音。

 

42.   后裔乐队（The Offspring）——《Americana》 

 

朋克音乐通常会为了表现力而牺牲清晰度，但《Americana》可不是这样。

 

像“Staring at the Sun”和“The Kids Aren’t Alright”这样的歌，既保持了表现力，又特别紧凑。混音特别干燥，但特别平衡。吉他声音特别酥脆，不会和人声混在一起，而鼓点始终特别紧密。

 

这并不是一张听起来特别华丽的专辑，但它特别经得起仔细推敲。换句话说，你可以大声播放，不用担心它会变得混乱。

 

43.   潘特拉（Pantera）——《Reinventing the Steel》 

 

潘特拉的这张专辑是他们最后一张作品，2000年发行，特别有冲击力，但一点都不乱。专辑里的“Revolution Is My Name”特别厉害，那种厚重、磨砂般的吉他音色，哪怕混音变得特别复杂，听起来还是特别清晰。鼓点特别紧凑，尤其是低频部分，如果你的音响系统会把声音弄得模糊或者削弱细节，那在这张专辑里就会特别明显。 

 

Dimebag的吉他独奏特别干净利落，能直接穿透整个音墙，贝斯也特别有力量，不会显得松散。对于那些制作精良的重型音乐来说，这张专辑特别能考验你的设备。

 

44.   巫师斗篷（The Haxan Cloak）——《Excavation》 

 

《Excavation》是2013年的一张特别黑暗、特别阴郁的电子和氛围末日音乐专辑。专辑里的“The Drop”特别有压迫感，那种深沉、令人不安的低音和嘎吱作响的质感，仿佛在不断变化，就像某种生物在动。低频特别深沉，能把低音炮推向极限，而且背景噪音里有一种安静的强度，如果音响系统不够好，可能会把这些细节糊成一团。所以，你更多是能感受到它，而不是单纯听到它。 

 

这张专辑特别稀疏，但声音之间的空间需要特别精确的处理。

 

46. 梅茨鲍（Merzbow）——《Pulse Demon》 

《Pulse Demon》可不是那种适合胆小的人听的专辑。听它就像在看一场由电力构成的暴风雪，特别震撼。专辑里没有主歌，没有旋律，只有那种不断变化、特别刺耳的声音一波接一波。

 

不过，这种噪音可不是乱来的。它是经过精心雕琢、分层的，而且一直在动态变化。有些音响系统可能会把它变成一团模糊的噪声，但好的系统就能揭示出混乱中的结构、动态和运动。

 

47. 欲望杀手（Lustmord）——《Berlin》 

 

《Berlin》特别能营造出一种空间感，那种大多数唱片都不敢尝试的感觉。专辑特别依赖现场录音和那种特别低沉的嗡嗡声，这些声音低到仿佛是一种建筑结构。 

 

“Dub Berlin”是一首特别缓慢燃烧的作品，质感一层层升起，特别宽广，就像悬挂在空气中一样。表面上看起来特别安静，但这反而让混音显得特别有深度。

 

如果你的音响系统能处理那种特别黑的背景、特别宽的立体声和真正的低频延伸，这张专辑绝对能让你大开眼界。

 

48. 缪斯（Muse）——《The Resistance》 

 

2009年发行的《The Resistance》特别宏大，缪斯把所有元素都调到了最大。专辑里的交响乐、合成器和多层次的和声都特别有气势。比如“Exogenesis: Symphony”，从独奏钢琴开始，慢慢过渡到完整的弦乐，然后再回归，每一个起伏和回落都特别清晰。 

 

这张专辑特别考验音响系统的动态余量，如果你的设备不够好，可能会被它的层次感“卡住”。专辑里发生的事情特别多，但当所有内容都被清晰地呈现出来的时候，那种规模感比音量更让人震撼。

 

49. 金发女郎（Blondie）——《Parallel Lines》 

 

1978年的这张流行朋克经典专辑听起来特别不过时。《Parallel Lines》有一种特别锐利的感觉，哪怕在今天听起来也特别现代。 

 

比如“Heart of Glass”，那种紧凑的踩镲声和脉动的低音特别抓耳，而“Hanging on the Telephone”则把人声特别突出地放在前面，但又一点都不显得拥挤。而且，黛比·哈里（Debbie Harry）的声音特别清脆，吉他也特别有咬劲。

 

50. 梦剧院（Dream Theater）——《Images and Words》 

 

技术复杂的专辑通常很难混音，但这张专辑特别厉害。专辑里的“Pull Me Under”特别有挑战性，充满了快速的过渡、分层的合成器和有力的鼓点。但所有元素都特别到位。贝斯和低音鼓分开得很清楚，吉他没有淹没人声，立体声范围特别宽广，但一点都不乱。

 

这张专辑不仅注重细节，还特别依赖细节。每次你升级设备，总能用它发现新的东西。